Lou Reed & Metallica - Lulu (Warner Bros 2011)

Se veía venir.

    La noticia de una colaboración tan sorprendente como la anunciada de Lou Reed y Metállica que había creado unas expectativas tan elevadas, en un espectro musical tan amplio; y conociendo la reciente trayectoria de ambos; estaba abocada a las iras y a la crítica feroz por poco que no cumpliera con los gustos generales.

   En la convulsa actualidad musical donde la gallina de los huevos de oro que suponía la edición de discos está en estado terminal, muchos artistas y grupos "caimanes" que no tienen ya muchas ganas de interminables giras (que es lo que parece que da dinero), se retrotraen en su actividad cultural y, o bien van desapareciendo poco a poco del mapa para vivir de pasados sueños de gloria y de las rentas de sus obras (ahí entra la semimafiosa SGAE), ó si se es realmente creador, algunos de ellos se proponen buscar otras vías alternativas como son las que ofrece internet (Bowie o la mismísima Bjork en su "Biophillia"), y otros como Lou Reed se sumergen en otros generos musicales más minimalistas y conceptuales como sus últimos "The Raven" (imprescindible e incomprendido disco con textos de Edgar Allan Poe), la meditación Tai Chi del "Hudson River Wind Meditations", ó este "Lulú", basado en los textos de Frank Wedekind: Erdgeist (El espíritu de la Tierra - 1895) y Die Büchse der Pandora (La caja de Pandora - 1904) y donde la protagonista Lulú, arquetipo sexual que va destruyendo a quien se ve atraido hacia ella, hombres y mujeres, y que termina sucumbiendo en manos del mítico Jack el Destripador.

   La figura de "Lulú" ya ha sido contemplada en otros ámbitos culturales como son la ópera de Alban Berg, estrenada en 1937, ó en el cine con "La Caja de Pandora" de G.W. Pabs, estrenada en 1928 con Louise Brooks dando vida a Lulú en el papel de su vida, en una obra cumbre del expresionismo alemán.

  

   Lou Reed no es la primera vez que se aleja de la música más populista para embarcarse en proyectos de vanguardia; ahí está el disco "Metal Machine Music" (1975) que fué considerado una tomadura de pelo en la época y que muchos quisieron ver como una "venganza" a su sello discográfico; sin embargo el propio Lou Reed siempre lo ha defendido como una de sus mejores obras y que actualmente es obra casi de culto en el panorama de música avanzada; el "Creation of the Universe" (2008) es una versión en directo que hizo Lou Reed con su Metal Machine Trio del MMM con toques ambient; otro disco destinado para amantes de lo raro (yo, yo, YO!). Lou Reed, desde que está junto a la experimental Laurie Anderson, ha sufrido una transformación en su música que lo lleva a una experimentación musical muy interesante y que yo personalmente agradezco enormemente.
 

   Que decir de Metallica? la atípica banda de rock que tiene en su haber la creación de uno de los mejores discos de la historia rock como el "Black Album" y que desde ese momento cumbre en su carrera (1991) y sobre todo a partir de la publicación de "Load" en 1996, se alejan poco a poco de su propuesta inicial para hacer un rock más alternativo que empieza a enervar a muchos de sus seguidores y la banda termina por sumergirse en una suave decadencia que llega hasta la actualidad.

 

   Por ese divorcio que han tenido en los últimos tiempos tanto Metállica como Lou Reed con sus propuestas iniciales, y porque una colaboración conjunta suena, a priori, mucho más que interesante, todos esperábamos "Lulú" con los brazos abiertos.

 

LULÚ

 

   Lulú es un disco que, escuchado a pelo, es como una bofetada en toda la cara. Quien no conozca la historia del Lulú de Wedekind, las versiones, la polémica y su mitología, es entendible que vea este disco como un auténtico espanto. Es tan respetable la feroz crítica constructiva, como refutable la crítica gratuita. Ante todo es un disco conceptual, y si no se conoce el "concepto" será dificilmente entendible y digerible.

 

  El proyecto Lulu viene de hace un par de años; ya tocaban Lou Reed, Laurie Anderson y John Zorn en directo en 2009, año en que Lou Reed coincidió con Metallica en el "25 Aniversario del Rock And Roll Hall of Fame” en Nueva York en octubre de ese año y donde se gestó la colaboración.  

 

   A mi el disco me parece muy muy interesante; el típico disco que cuanto más lo escucho, más me gusta (y lo he hecho 4 veces seguidas); y sin embargo está lejos de ser un disco memorable o jodidamente bueno; para ello hubiese sido conveniente un texto un poco menos "críptico", que por cierto se basa en pasajes compuestos por Lou Reed para función teatral de Robert Wilson basada en el Lulú de Wedekind, producido por el Berliner Ensemble otrora creado por Bertolt Brecht. Aún así es una obra tan magnífica como difícil de digerir sin antes cambiar el chip y olvidarse temporalmente de la música de consumo fácil que nos rodea y ser capaz (y tener ganas) de sumergirse en este trabajo. Hay momentos más conseguidos que otros, pero al ser un disco conceptual hay que valorarlo como un todo, y ese TODO es muy aconsejable. Sobre la representación teatral, hay que recordar que Lou Reed ya hizo en 2007 una versión teatral de su memorable disco conceptual "Berlín" (1973), producido por Art St Ann's de New York y el Festival de Artes de Sydney.

   Algunos pasajes traducidos de las canciones:

En este, Lulú se autoretrata:

"No tengo moral

Algunos me creen barata

y alguien que desprecia

la normalidad de la angustia

la pureza del amor"

Lamentos de sus amantes:

"¿Por qué me engaño?
¿Por qué me haces trampas?
Tu amor para mí significa cero
Una ola sin pasión
Tu amor para mí significa cero"

Y la frustación que desata la díscola Lulú:

"Frustración en mi léxico del odio,
te veo con tu retrato,
¿él te ama?
¿él te ama también?

.....

la pena golpea mi cuerpo
una espada entre mis muslos
deseo que podría matarte
pero también amo tus ojos"

Pero Lulú sigue seduciendo, tiene sed de almas:

"Tira de mí

Quieres ser mi señor y salvador

Tirar de mí por mi pelo

Me besarías, en mis labios"

(traducciones sacadas de una crítica publicada en ciao por Bruceforever)

    En resumen, una obra para personas con inquietud cultural que no se conformen con música facilona; mucho más cercana al universo avanzado que al comercial.

  

   créditos:

    Bass – Robert Trujillo
    Drums – Lars Ulrich
    Engineer [Additional] – Dan Monti, Jim Monti, Kent Matcke, Sara Lyn Killion*
    Guitar – Kirk Hammett
    Guitar, Vocals – James Hetfield, Lou Reed
    Mastered By – Vlado Meller
    Mixed By – Greg Fidelman
    Mixed By [Assisted By] – Geoff Neal
    Producer – Greg Fidelman, Hal Willner, Lou Reed, Metallica
    Recorded By – Greg Fidelman, Mike Gillies

Tom Waits - Bad As Me (Anti- 2011)

    TOM WAITS, EL KRAKEN MUSICAL

  En el universo Tolkien encontramos, diseminados, seres legendarios, imperecederos, míticos e inalterables en el tiempo, deambulando lentamente sin hacer demasiado ruido, sin querer destacar demasiado en su latencia. A veces, cuando menos se les espera, se despiertan y bien que se hacen notar; muestran con todo esplendor su magnificiencia. Algunos de estos legendarios seres podrían ser, por ejemplo, el Balrog de Khazad-Dûm; Beorn, capitan de los Beórnidas; Shelob, última hija de Ungoliant que habita la terrible Torech Ungol; Treebeard, que vive en Fangorn; los terribles Nazgul ó el mismísimo Tom Bombadil, que es un sujeto sencillo, con chaqueta azul brillante y zapatos amarillos.

 

   En el panorama musical actual existen también seres mitológicos que deambulan a su antojo; por encima del bien y el mal poseen la capacidad de decidir cuando, como, donde y de que forman sacan un disco nuevo. Sería interesante jugar a hacer similitudes entre el Legendarium de Tolkien y músicos, pero yo hoy me voy a centrar en Tom Waits.

 

   Reconozco que siento debilidad especial por Waits; lo sigo desde hace ya muchos años y espero con ansias cualquier aporte cultural que ofrezca; sea en su faceta interpretativa, poética, de composición o musical. Buscando una similitud con el Legendarium, yo pongo la figura de Waits en el "Guardián del Agua", esa especie de Kraken que vigila las puertas de Moria.

  

   Tom Waits en este disco, cual Kraken, se situa en el tablero que conforma el paisaje musical y extiende sus tentáculos hacia distintos géneros musicales de forma que en el ecléctico "Bad As Me" podemos encontrar rock 'n' roll al más estilo años 50, blues, jazz, música trovadora al más estilo vodevil, tango, gospel, rhythm and blues.. etc. Tom Waits extiende sus tentáculos y atrapa lo que le interesa para llevárselo a la boca, masticarlo y, mezclado con su propia y particular esencia, convertirlo en esa música sucia, experimental, con su característico tono grave, rudo y roto, si bien es cierto que en "Bad As Me" hay sorprendentes registros agudos no muy habituales en Waits.

 

   Muchos verán este disco como "más de lo mismo" y ciertamente es verdad; después de una larga espera desde su último disco de estudio "Real Gone (2004)", Tom Waits sigue enfrascado en su modelo Bukowskiano y, que quereis que os diga, que siga así eternamente; para que cambiar su extraordianaria propuesta.

 

   "Bad As Me" me recuerda a esa obra cumbre del universo musical del siglo XX que fué "Mule variations (1999), canciones profundas, reflexivas, con textos poderosos. La voz de Tom Waits es única, dolorosa, poderosa, inigualable. El día que falte Tom Waits (62 años) se quedará el mosaico que forma el paisaje musical sin una pieza importante e insustituible; por eso hay que disfrutar, con una buena copa de brandy, sentado en el sofá una tranquila tarde de domingo, de este "Bas As Me" que es, por encima del bien o el mal como otras obras de autores de culto, una delicada delicia apta sobre todo para paladares sibaritas.

 

   En "Bad As Me" Tom Waits cuenta, además de sus habituales Larry Taylor y Marc Ribot, con la participación de Keith Richards y Flea, de Red Hot Chili Peppers; y su mujer Kathleen Brennan en la producción.

  
   Se nota mucho que me gusta Tom Waits?¿

Tracklist:

01. Chicago

    Trombone, Bass Clarinet – Ben Jaffe
    Harmonica – Charlie Musselwhite
    Guitar – Keith Richards, Marc Ribot
    Vocals, Banjo, Piano, Guitar, Percussion – Tom Waits
    Saxophone – Clint Maedgen
    Drums – Casey Waits
    Guitar, Bass – Larry Taylor

02. Raised Right Men

    Bass – Flea
    Harmonica – Charlie Musselwhite
    Organ [Vox] – Augie Meyers
    Guitar – Larry Taylor, Marc Ribot
    Vocals, Guitar, Tabla – Tom Waits
    Drums – Casey Waits

03. Talking At The Same Time

    Tenor Saxophone – Clint Maedgen
    Bass – James Whiton
    Keyboards – Patrick Warren
    Guitar – David Hidalgo, Marc Ribot
    Percussion – Gino Robair
    Vocals, Guitar – Tom Waits
    Trombone – Ben Jaffe
    Piano – Augie Meyers
    Trumpet – Chris Grady

04. Get Lost

    Acoustic Bass, Electric Bass – Larry Taylor
    Keyboards – Patrick Warren
    Vocals, Guitar, Percussion – Tom Waits
    Guitar – David Hidalgo, Marc Ribot
    Saxophone – Clint Maedgen
    Drums – Casey Waits

05. Face To The Highway

    Bass – James Whiton
    Keyboards – Patrick Warren
    Guitar – David Hidalgo, Marc Ribot
    Percussion – Gino Robair
    Drums – Casey Waits
    Violin – Dawn Harms
    Vocals, Percussion – Tom Waits

06. Pay Me

    Guitar, Violin – David Hidalgo
    Bass – James Whiton
    Accordion – Augie Meyers
    Vibraphone – Gino Robair
    Guitar – Marc Ribot, Will Bernard
    Vocals, Guitar, Piano – Tom Waits

07. Back In The Crowd

    Guitar – Marc Ribot
    Guitar, Vocals – Tom Waits
    Bass – James Whiton
    Drums – Casey Waits
    Guitar, Percussion – David Hidalgo

08. Bad As Me

    Guitar – Marc Ribot
    Baritone Saxophone – Clint Maedgen
    Vocals, Piano – Tom Waits
    Drums – Casey Waits
    Harmonica – Charlie Musselwhite

09. Kiss Me

    Vocals, Guitar, Piano – Tom Waits
    Bass – Marcus Shelby

10. Satisfied

    Bass – Les Claypool
    Keyboards – Patrick Warren
    Harmonica – Charlie Musselwhite
    Guitar – Keith Richards, Marc Ribot
    Percussion – Gino Robair
    Vocals, Guitar – Tom Waits
    Saxophone – Clint Maedgen
    Drums – Casey Waits

11. Last Leaf

    Guitar – Marc Ribot
    Vocals, Guitar – Keith Richards
    Vocals, Guitar, Organ [Pump] – Tom Waits
    Bass – James Whiton

12. Hell Broke Luce

    Tenor Saxophone – Clint Maedgen
    Bass – Flea
    Harmonica – Charlie Musselwhite
    Guitar – Keith Richards, Marc Ribot, Will Bernard
    Drums – Casey Waits
    Vocals, Percussion – Tom Waits
    Trumpet – Chris Grady

13. New Year's Eve

    Bass – Zack Sumner
    Keyboards – Patrick Warren
    Tuba – Ben Jaffe
    Tenor Saxophone – Clint Maedgen
    Vocals, Guitar – Tom Waits
    Trumpet – Chris Grady
    Guitar, Accordion, Bass, Backing Vocals – David Hidalgo

Credits:

    Art Direction – Trevor Hernandez
    Coordinator [Production] – Julianne Deery
    Engineer [Asst.] – Zack Sumner
    Mastered By – Bernie Grundman
    Photography By – Tom Waits
    Photography By [Additional] – Jesse Dylan
    Recorded By, Mixed By – Karl Derfler
    Written-By, Producer – Kathleen Brennan, Tom Waits

 

GEINOH YAMASHIROGUMI

GEINOH YAMASHIROGUMI

  Geinoh Yamashirogumi es un nombre que seguramente la mayoría asocia directa y únicamente con el de Akira. La mayoría de los seguidores a bandas sonoras a los que he preguntado creen que Geinoh Yamashirogumi es el nombre de un compositor japonés semidesconocido.

    Voy a intentar aclarar un poco que significa "Geinoh Yamashirogumi" y porque merece la pena hacer un seguimiento de su obra.

Logo de Geinoh Yamashirogumi.

  ( 芸能山城組 )

   
    Hay en japón un señor, nacido en 1933, llamado Oohashi Tsutomu. Este señor se podría considerar como "Hombre del Renacimiento"; adjetivo que se aplica a las personas que asemejan a Un hombre renacentista o erudito, persona que es experto en varios campos o disciplinas múltiples, y que tiene una amplia base de conocimientos. Lógicamente, si bien en la época renacentista por desgracia no abundaban las mujeres eruditas, hoy en día deberíamos hablar de "Hombre del Renacimiento" ó "Mujer del Renacimiento".

 

Oohashi Tsutomu    

  

   Oohashi Tsutomu es un artista que destaca en infinidad de campos; composición, producción, dirección musical. Aparte de eso es investigador musical; estudioso de la etnomusicología, la acústica, informática.. todo aplicado al campo musical. Pero es que a todo eso hay que añadir que Oohashi Tsutomu investiga y es experto en ciencias medioambientales, ciencias de la información, biología molecular, vida artificial, antropología, ingeniería Kansei, etc

Este estudioso y artista multifacético tiene un pseudónimo por el que todos lo conocen: Shoji Yamashiro.

     Shoji Yamashiro (vamos a usar el pseudónimo a partir de ahora), creó el 19 de enero de 1974 "Geinoh Yamashirogumi" (Grupo Público de Arte de Yamashiro); colectivo formado por cientos de personas anónimas y amateur; donde tienen cabida desde profesores, estudiantes, amas de casa.. que conforman un experimento musical usando coros, instrumentos de percusión gamelán, sonidos tradicionales e incluso ideas rock; todo al servicio de la experimentación más puntera informática y electrónica, a manos del equipo encabezado por el propio Shoji Yamashiro.

    Se dice que Shoji Yamashiro se basó en una especie de comuna hippie en la que estuvo después de la Segunda Guerra Mundial.

   

     Geinoh Yamashirogumi tiene como objetivo crear sonidos que actúen directamente en la percepción sensorial de la gente; para ello, entre otras cosas, hacen uso de la música tradicional que más se acerque a ese concepto. Soshi Yamashiro es estudioso del medioambiente e intenta que la música y la naturaleza sean un todo; hay que recordar lo arraigado en la cultura japonesa del acercamiento a deidades de la naturaleza; solo hay que ver cualquiera de las películas de Hayao Miyazaki y su constante acercamiento de seres humanos y deidades que pueblan la Tierra, el Mar o el Aire. 

   Actualmente Geinoh Yamashirogumi parece que ha dejado de editar discos y la exposición pública se centra en representaciones musicales y escénicas como las que hacen en el Kecak Festival, donde anualmente es casi inevitable escuchar la interpretación gamelán del Kaneda de Akira, o representaciones folklóricas.

Representación Folklórica.

Gamelan Music por Geinoh Yamashirogumi 

"Kaneda" del OST de Akira. Interpretado por Geinoh Yamashirogumi.

    Ese amor por la naturaleza que tanto caracteriza la cultura japonesa la usa Shoji Yamashiro en sus experimentos musicales. Pero no solo usa la música tradicional japonesa, Yamashiro estudia cualquier cultura del Planeta y coge lo que más de adapta a lo que necesita. Y es por eso que su primer disco está basado en la música tradicional del este de Europa y en particular de las famosas "Voces Búlgaras".

Chi No Hibiki Higashi Yu - Roppu Wo Utau (1976)

(Ecos de la Tierra - Cantos de Europa del Este)

   Consolidar el encanto de las canciones populares búlgaras es el punto de partida de este álbum. Conozco poca música folk que se pueda adaptar más al concepto de la búsqueda de la catarsis en la unión naturaleza-humanidad, que la que puede ofrecer las "Voces Búlgaras". Es un disco mágico y precioso. Hay que conocer un poco la pausada cultura nipona para poder asimilar este disco, tan alejado de la música consumista actual. Escucharlo tranquilo y relajado, con los ojos cerrados, te sumerge en un mundo cuyos protagonistas surgen de cualquier resquicio de las rocas. El corte 7 "Watashi no Ama Hatake" (Mi Campo de Lino) es de una belleza que acongoja.

Bulgarian Folk Song by Geinoh Yamashirogumi

   Muy recomendable disco (Como todos los de Geinoh Yamashirogumi).

continuará...

Miles Davis - (2011) Bitches Brew Live (Columbia Records)

   Con la cantidad ingente de material que hay de Miles Davis es inevitable que, después de 20 años de su muerte, se sigan editando cds oficiales y piratas de grabaciones en directo y recopilaciones.

 

   En esta ocasión Columbia ha editado un disco que realmente merece la pena tener; el cd contiene dos grabaciones en directo de la época eléctrica de Miles Davis. Por un lado tenemos la grabación completa de la actuación del septeto liderado por Miles Davis en el legendario concierto de la Isla de Wight en 1970. Por otro lado tenemos una grabación en vivo inédita hasta ahora en el Newport Jazz Festival de 1969.

   Empecemos por la segunda:

 

Newport Jazz Festival (1969):

   

   En esa ocasión, el cuarteto era formado por Chick Corea al piano, Dave Holland en el bajo, Jack DeJohnette en la batería y Miles Davis liderando con su trompeta. Aquel año se dieron cita en el Festival grupos importantes en la escena rock y rhythm and blues como Led Zeppelin, James Brown, Jethro Tull, Frank Zappa o The Who; nombres importantes entre los que estaba Miles Davis y su grupo en plena fase de gestación del que durante mucho tiempo (y quizás todavía) ha sido el disco de jazz más vendido de la historia: "Bitches Brew" editado en 1970 y que contiene grabaciones de aquel año 1969.

 

   Los cuatro cortes de Newport Festival duran unos 25 minutos y sorprende su sonido magnífico; se ve que Columbia los tenía reservados para darle salida discográfica junto a "algo más"; y sin duda ese "algo más" no podría ser otra cosa que la grabación completa de la actuación en la Isla de Wight, no podría ser de otra forma y supongo que han esperado tanto por darle un poco de espacio a ese megaproyecto que fué la edición en 2009 de la colección completa de grabaciones de Miles Davis para el sello y que comprende 70 Cds más DVD (Una colección limitada reservada para frikis con mucho dinero); precisamente esta colección contiene el concierto de Miles Davis en la Isla de Wight.

 

  Isla de Wight Festival (1970):

 

   Que decir de este macro concierto celebrado en la isla de Wight... Era su tercera edición; en las dos anteriores había tenido gran aceptación y congregó a 200 mil personas, contando con nombres ilustres como Jefferson Airplane en 1968 y The Who y Bob Dylan en 1969. La juventud suele ser impulsiva y mucho más en aquella época hippie; así que, viendo lo que supuso el concierto de Woodstock celebrado del 15 al 17 de agosto de 1969 con 400mil personas presentes, no quisieron ser menos y entre los días 26 al 31 de agosto se juntaron más de 600mil personas en una isla al sur del Reino Unido. Woodstock tiene la gloria y la fama de ser el primero, el genuino y el más conocido; pero por números tanto de asistentes como de artistas, el concierto de la Isla de Wight merece ser recordado como el más grande y bestial concierto de la hsitoria. Algunos de los nombres que pasaron por allí, aparte de Miles Davis, fueron: Supertramp, Chicago, John Sebastian, Joni Mitchell, Emerson, Lake & Palmer, The Doors, The Who, The Moody Blues, Jethro Tull, Jimi Hendrix, Leonard Cohen, Joan Baez cantando "let it be" y muchos más.

 

   Miles Davis no parecía encajar demasiado entre estas figuras del rock sin embargo, al frente del septeto que conformaban, tocaron un recital memorable de 38 minutos donde la improvisación se conjuntó con el estado de gracia de todos ellos para dejar boquiabiertos a todos los presentes. El septeto estaba formado por Miles Davis a la trompeta, Gary Bartz en los saxos, Dave Holland en el bajo, Chick Corea en el piano eléctrico, Keith Jarrett en el órgano, Jack DeJohnette en la batería y Airto Moreira en la percusión.

   El domingo 14 de agosto pasaron por la segunda un magnífico documental sobre la época eléctrica de Miles Davis en general y de la actuación en la Isla de Wight en particular, incluido el recital completo; en él se entrevista muchos años después a los integrantes del septeto (ya muerto Miles Davis) donde se ven a todos ya muy mayores; sin embargo todos recuerdan la magia de aquel concierto. Seguramente la mayoría de ellos estaban bajo los efectos de las drogas, solo hay que ver el meneo de cabeza de Keith Jarrett o la mirada medio perdida de Dave Holland; pero, como diría David Bowie, que sería de la música de los 70 y 80 sin las drogas?. El propio Keith jarrett reconoce que le pusieron el órgano en el último momento y que se sentía desplazado y casi sin aportar nada (nada más lejos de la realidad). Chick Corea con esa mirada penetrante, esa mirada de controlarlo todo. Dave Holland parece concentrado y realmente, escuchando con detenimiento, poco se equivoca en su riff repetitivo. Jack DeJohnette espléndido como siempre. También increible e integradísimo con sus artilugios estaba Airto Moreira. Gary Bartz estando al quite de Miles Davis cuando este le daba paso y se alejaba para limpiar la trompeta. Y por supuesto el propio Miles Davis, con su parsimonia, su tranquilo andar, su mundo quieto e inerte en el que flota cuando sopla su instrumento.

   Quizás no sean estos conciertos los mejores para descubrir la música de Miles Davis; una época eléctrica y psicodélica donde el free jazz ya planeaba. Desde que Miles Davis empezó a tocar con el grupo de Billy Eckstine en 1944, que contaba entre sus integrantes con Charlie Parker y Dizzy Gillespie, su trayectoria musical se ha visto abocada a tantas mutaciones como las que ha tenido el jazz en la segunda mitad del siglo XX; Miles Davis ha estado cabalgando en la espuma de la ola del jazz conforme ha ido evolucionando hasta su muerte en 1991. Que pena que se frustara ese principio de colaboración que tuvo con el gente como Prince o sus jugueteos con el rap. Miles Davis es nombre clave (entre digamos..los 5 nombres clave) de la historia de la música reciente; y es necesaria su revisión constantemente.

   Es uno más de tantos discos editados tras la muerte de Miles Davis, pero este disco si que merece la pena ser adquirido y escuchado porque es parte de la historia del jazz.

Tracklist:

 1 Miles Runs The Voodoo Down                  10:26

2 Sanctuary  (Written-By – Wayne Shorter)   3:58

3 It's About That Time / The Theme               9:40

4 Directions  (Written-By – Joe Zawinul)       7:30

5 Bitches Brew                                               10:09

6 It's About That Time                                     6:17

7 Sanctuary  (Written-By – Wayne Shorter)    1:10

8 Spanish Key                                                   8:15

9 The Theme                                                     2:10

 Créditos:

Alto Saxophone, Soprano Saxophone – Gary Bartz (tracks: 4 to 9)
Bass – Dave Holland
Drums – Jack DeJohnette
Electric Piano – Chick Corea
Organ – Keith Jarrett (tracks: 4 to 9)
Percussion – Airto Moreira (tracks: 4 to 9)
Trumpet – Miles Davis
Written-By – Miles Davis (tracks: 1, 3, 5, 6, 8, 9)
Coordinator [Mastering] – Donna Kloepfer
Engineer [Recording] – Reice Hamel (tracks: 1 to 3)
Engineer [Remixed] – Mark Wilder (tracks: 1 to 3), Tom Cadley* (tracks: 4 to 9)
Executive Producer – Cheryl Davis, Erin Davis, Vince Wilburn, Jr.
Liner Notes [December 1970] – Michael Azerrad
Mastered By – Maria Triana, Mark Wilder
Photography – David Redfern, Fred Lombardi, Sandy Speiser
Producer – Teo Macero
Producer [Release] – Michael Cuscuna, Richard Seidel
Production Manager – Nell Mulderry
Supervised By [Producer Consulting] – Steve Berkowitz
Art Direction, Design – Mathieu Bitton

Notas:

#1-3: recorded live at The Newport Jazz Festival, Newport, RI, July 5, 1969
#4-9: recorded live at the Isle of Wight on August 29, 1970
Mastered at Battery Studios, New York City

© 2011 Sony Music Entertainment
Originally recorded 1969 & released 2011 (Tracks 1-3), Originally recorded 1970 & released 2009 (Tracks 4-9).
 ℗ Compilation 2011 Sony Music Entertainment
Made in the E.U.

#1-3 : previously unissued

Los Canarios - (1974) Ciclos

  Comienzo aquí una serie de reseñas de discos que por lo extraño, lo repentino o lo influyente que la propuesta ha ejercido sobre mi percepción de la música, merecen el calificativo de:

DISCOS SINGULARES

  Y empiezo por el último que he escuchado:

Los Canarios - (1974) Ciclos

   Como a veces suele pasar, descubrí este disco por casualidad. Supongo que será muy conocido en la amplia comunidad de seguidores de rock progresivo que hay por la red pero, sinceramente, desconocía totalmente la existencia del grupo "Los Canarios" en general, y de "Ciclos" en particular.

   Y es que, casualidades de la vida, todo empezó con ese término tan de moda en esta época de crisis como es el de "indignación". Indignado estaba yo cuando, después de descubrirse todo el mamoneo que se trae la SGAE (Somos Gente Ansiosa de Euros); sociedad que presuntamente extorsiona no ya a los piratones informáticos, que somos muchos, sino a fiestas vecinales, colegios y a todo donde se pueda mangonear. A ellos les importa un pimiento la cultura, solo les interesa trincar sin hacer nada (muchos de ellos). Indignación sin límites me produjo cuando, detenido el presunto cabecilla de la subtrama Teddy Bautista, ( y es que hasta entre ellos mismos se roban), muchos de los integrantes de la Sociedad de Mangantes clamaron por la "PRESUNCION DE INOCENCIA"!!!. Y donde coño está la presunción de inocencia de los miles de estafados por el impuesto revolucionario que supone el CANON y que no tienen ánimo de lucro ni piratean ni se bajan nada ilegal??.

 

   El mafioso canon

    Entonces, después de esa gran indignación, me hice la siguiente reflexión; ya conozco la trayectoria de cadáveres culturales que pertenecen a la SGAE que solo saben poner la mano y viven del cuento como Ramoncín, Aute, Perales, etc. etc. pero... quien es (o que fué) el tal Teddy Bautista??. Tirando de Wikipedia descubro que perteneció al grupo "Los Canarios" allá por los años 70; aparte participó en el mítico musical Jesucristo Superstar y en otros musicales. A partir de ahí le vió el filón a eso de trincar y se metió en la SGAE.

 

  "Los Canarios"

 

   Grupo canario (de ahí su increiblemente imaginativo nombre). Formado en 1964, inicialmente se llamaron "Los Ídolos" (otro gran nombre para un grupo novel). Bajo un manto de rock y soul, sacaron algún hit y éxito de verano como "Get On Your Knees". Entrando en la década de los 70, Teddy Bautista dió un giro hacia el rock progresivo y sinfónico que tan de moda estaba en aquella época con grupos como E.L.O. King Crimson, Yes, E.L.P. Génesis ó Pink Floyd. Se editaron discos conceptuales como "The Lamb Lies Down on Broadway" o "Dark Side of The Moon".

  Teddy Bautista quiso subirse al carro de lo que estaba de moda y rehizo el grupo con nuevos componentes para crear, en 1973, su obra más ambiciosa, creativa y famosa: "Ciclos".

Los Canarios

  "Ciclos"

 

   Para resumirlo brevemente, "Ciclos" es un disco progresivo/sinfónico, conceptual, basado en "Las Cuatro Estaciones" de Antonio Vivaldi.

 

   NO es una versión rockera de la composición clásica; es un gran fresco musical que trata la evolución temporal y equipara los "Primavera, Verano, Otoño e Invierno" de Vivaldi, con "Paraíso remoto, Abismo Proximo, Ciudad Futura y El Eslabón Recobrado" respectivamente. La música está estructurada en esos cuatro grupos (cabe recordar que fué editado en un doble vinilo, por lo tanto cuatro caras). Cada grupo está a su vez dividido en capítulos:

 
"Primera Transmigración (Paraiso Remoto)" (16:55):

    Genesis
    Prana
    Primera Visión de un Mundo Nuevo
    Himno a la Armonía Magistral del Universo
    Primeros Pasos en un Mundo Nuevo
    Metamorfosis Extravagante

"Segunda Transmigración (Abismo Próximo)" (16:45):

    Narración Extravagante
    Primeras Preguntas en un Mundo Nuevo
    Canto al Niño Neurótico
    Himno Crítico a la Primera Adversidad
    Desfile Extravagante
    Proceso Alienatorio
    Serenata Extravagante

"Tercera Transmigración (Ciudad Futura)" (17:49):

    Pequeño Concierto Extravagante
    Páginas de Plata de un Diario Intimo
    Anti-Himno a la Programación Cibernética
    Monasterios
    Proceso Cibernético
    Villancico Extravagante

"Cuarta Transmigración (El Eslabón Recobrado)" (21:53):

    Hibernus
    Crisis
    Ballet de las Sombras
    Himno a la Armonía Implacable del Fin
    Vanessa (el aliento de la osamenta)
    Nirvana Extravagante
    Diálogos a Alto Nivel
    Hiperdestrucción
    Apocalipsis 

   Pero suenan "Las Cuatro Estaciones" de Vivaldi?.. Pues sí que suenan; los acordes más conocidos están repartidos por todo el disco y son fácilmente reconocibles; pero como dije, no es una versión eléctrica de la obra clásica, solo sirve de base para desarrollar la idea de Teddy Bautista de presentar un viaje del alma en transmigración recorriendo una evolución temporal.

   Con gran producción por parte del propio Teddy Bautista y Antonio Morales; orquestaciones y dirección de Alfredo Carrión; "Ciclos" fué una muy arriesgada apuesta de Ariola, que invirtió dos millones y medio de las antiguas pesetas, que era un dineral en aquella época, y que no recuperaron; lo que prácticamente propició la disolución del grupo. En el momento de su estreno, la crítica española (y hablamos de 1974, España cañí de Las Grecas, Rumba Tres y Los Payasos de la Tele, y que casi no conocía ni a los Beatles), defenestró un disco que era muy adelantado a la época en la que vivíamos. "Monumento cumbre a la nada" se decía; pues pienso yo que si es es así, es un monumento a la nada hecho con Marmol de Carrara, porque me parece una obra imprescindible en la historia del rock, por lo extravagante, lo monumental, lo creativo y aplastante de la propuesta.

   Hoy en día "Ciclos" se abre sitio con fuerza en la historia del progresivo mundial y está a la altura de muchos discos conceptuales de la época. De equella época yo creo que solo "El Patio" de Triana podría considerarse superior (con toda seguridad, eso sí, más influyente), que "Ciclos".

 

   "Ciclos" es una obra donde converge estilos tan dispares como el pop, el jazz, el folk, el barroco, rock sinfónico...

 

   En el primer acto entra en escena la voz de la soprano Rudmini Sukmawati (hija del presidente de Yakarta y muy de moda en aquella época). Sukmawati es acompañada de instrumentos como un Theremín en un primer acto psicodélico. Sukmawati encarna el papel de Atrix "La paridora"; génesis donde los llantos de un niño envuelven la música.

  En el segundo acto escuchamos instrumentos como el Mellotron, que acompaña magestuosos coros (Coro de alumnos da Escuela Oficial de Canto); solos de piano (Mathias Sanvellian) y guitarra (Antonio García De Diego) y la aportación del "Trio Porteño".

 

   En el tercer acto escuchamos, aparte de todo lo demás, efectos electrónicos, percusiones, campanas y termina con un "villancico Extravagante" interpretado por los "Hermanos Blanco".

 

    En el cuarto acto presenta en su inicio un toque más atmosférico y contemplativo con pianos y arpas, derivando conforme avanza en un paroxismo alocado gracias a la percusión y guitarras. El final es explovivamente rockero.

   "Ciclos" es una de las obras cumbre del panorama musical español del siglo XX; obra irrepetible y necesaria de revisión por parte de cualquier amante de la música que se salga de lo convencional.

 
  Pasado este momento de relax y buen paladeo, vuelvo a la indignación del principio; mucho más porque pienso que fué una perdida irreparable que un tipo con la creatividad de Teddy Bautista eligiera la vida fácil condenada a la destrucción cultural de la SGAE a la creación musical.

 

Créditos:

   Arreglos, Conductor – Alfredo Carrión

    Bajo, Sintetizadores, Theremin – Christian Mellies

    Batería, percusión, Timbales, Triángulo, Voces, Castañuelas, Maracas, Campanas,                             Flexotone,Glockenspiel, Roto-toms Gongs, Bambus, Dharbuka – Alain Richard

    Piano eléctrico, Hammond, Piano, Violin – Mathias Sanveillan

    Guitarra, Guitarra acústica, lira, Guitarra Echoplex, Teclados Phase Shifter, voces – Antonio García De Diego

    Sintetizadores, Teclados, Mellotron, Teclados Digital Frequency Meter, Teclados Ribbon Controller – Teddy Bautista

Invitados:

    Rudmini Sukmawati – Voz Soprano

    Leandro Blanco – Voz

    Antonio Morales: Co-productor

    Eddie Guerin y Ma Carmen Alvia: Arreglos y Arpa

    Hermanos Blanco: interpretes, arreglos y autores del texto “Villancico Extravagante”

    Claude Guillot: Vibrafono

    Trio Porteño – arreglos y canto

    Coro de alumnos da Escuela Oficial de Canto.

 

 

CLARENCE CLEMONS (1942-2011) DESCANSE EN PAZ



  

   Ha muerto el gran Clarence Clemons, uno de los mas grandes músicos que ha dado la música rock. Acompañó al Boss a lo largo de sus mejores discos con la E Street Band y beatificó con su saxo a los más grandes artistas de las últimas décadas.
 

    Ahora ese negro es capaz de hacer bailar a los ángeles o al mísmísimo Diablo vaya donde vaya. Siempre nos quedará esa joya en forma de 5 vinilos que es uno de los mejores recopilatorios en vivo jamás editados: Live 75-85.

   Descansa en paz negro gigantón, que yo seguiré soñando con tu música.

Radiohead - (2011) The King of Limbs (LossLess)

   Hay grupos musicales y/o artistas que no se conforman con repetir una y otra vez la misma fórmula de exitos anteriores (lo que ocurre con el 98% de la música actual). Son artistas que pretenden crear y evolucionar, innovar o experimentar. Se pueden contar con los dedos de las manos; por poner ejemplos conocidos, podríamos hablar de Bjork, de Bowie... de Radiohead.
 

   Radiohead sacó en 1997 un disco que según la exigente crítica británica es el mejor disco del siglo XX (nada más y nada menos): "OK Computer" fué una suerte de bomba atómica en el panorama musical y un referente a la música del siglo XXI. Despúes de ese disco y tras una inagotable gira que a punto consigue que la banda se separe, el genio de Thom Yorke da un giro de 90º y crea el extraordinario "Kid A" (2000), un disco incomprendido por la mayoría de sus seguidores y que se sumerge en el mundo de la experimentación electrónica en busca de atmósferas sonoras. Tras ese disco editan "Amnesiac" (2001), que parece un "Cara B" del anterior disco.
 

  Tras esta experiencia electrónico-sensorial, la banda intenta, sin perder el halo experimental, introducir el rock guitarrero que tanto éxito les dió en le pasado. El resultado es "Hail to the Thief"  (2003); un disco interesante y bueno, pero que deja de sorprender y parece como para contentar a todos.
 

  En 2007 y después de cambiar de productor (y vaya si se nota), sacan "In Rainbows" (2007). Radiohead (Thom Yorke) se mete de lleno en el mundo digital e internet y el disco se puede descargar desde la web al precio que el usuario quiera (incluso gratuitamente). La innovación viene por ese lado porque el disco en sí es una reconversión sonora a épocas pasadas; rock ochentero, guitarras y sonido más en la linea del sonido "easy listening" que
tanto temíamos los seguidores de su faceta más experimental. Es un buen disco, pero me deja un poco con el temor de un giro musical hacia un sonido más complaciente.

   Y por fín se editó su octavo disco "The King of Limbs" (2011) de nuevo con Nigel Godrich en la producción y nos ofrece otra vuelta de tuerca; la banda vuelve a su faceta experimental y
electro-ambiental. En sus 8 cortes, desde mi punto de vista, la banda demuestra una preocupante falta de ideas. Me da la impresión que están por estar, de que hay que exprimir el sello Radiohead. Thom Yorke y Jonny Greenwood tienen proyectos independientes a la banda. Muy interesante la incursión de Greewood en el mundo de las bandas sonora y Yorke sigue con su proyecto "Atoms For Peace".

   El disco está bien, tiene momentos muy conseguidos como "Little by little" ó "Give up the ghost", pero me en general me deja un regusto plúmbeo, manido. Espero equivocarme pero me da la impresión que Radiohead se quedó en "OK Computer" y "Kid A".
Habrá que esperar a su siguiente disco, si es que lo hay, para ver si remontan vuelo o siguen en esa linea "ni-pa-tí-ni-pa-mí" en la que parecen que se han instalado.