GEINOH YAMASHIROGUMI

GEINOH YAMASHIROGUMI

  Geinoh Yamashirogumi es un nombre que seguramente la mayoría asocia directa y únicamente con el de Akira. La mayoría de los seguidores a bandas sonoras a los que he preguntado creen que Geinoh Yamashirogumi es el nombre de un compositor japonés semidesconocido.

    Voy a intentar aclarar un poco que significa "Geinoh Yamashirogumi" y porque merece la pena hacer un seguimiento de su obra.

Logo de Geinoh Yamashirogumi.

  ( 芸能山城組 )

   
    Hay en japón un señor, nacido en 1933, llamado Oohashi Tsutomu. Este señor se podría considerar como "Hombre del Renacimiento"; adjetivo que se aplica a las personas que asemejan a Un hombre renacentista o erudito, persona que es experto en varios campos o disciplinas múltiples, y que tiene una amplia base de conocimientos. Lógicamente, si bien en la época renacentista por desgracia no abundaban las mujeres eruditas, hoy en día deberíamos hablar de "Hombre del Renacimiento" ó "Mujer del Renacimiento".

 

Oohashi Tsutomu    

  

   Oohashi Tsutomu es un artista que destaca en infinidad de campos; composición, producción, dirección musical. Aparte de eso es investigador musical; estudioso de la etnomusicología, la acústica, informática.. todo aplicado al campo musical. Pero es que a todo eso hay que añadir que Oohashi Tsutomu investiga y es experto en ciencias medioambientales, ciencias de la información, biología molecular, vida artificial, antropología, ingeniería Kansei, etc

Este estudioso y artista multifacético tiene un pseudónimo por el que todos lo conocen: Shoji Yamashiro.

     Shoji Yamashiro (vamos a usar el pseudónimo a partir de ahora), creó el 19 de enero de 1974 "Geinoh Yamashirogumi" (Grupo Público de Arte de Yamashiro); colectivo formado por cientos de personas anónimas y amateur; donde tienen cabida desde profesores, estudiantes, amas de casa.. que conforman un experimento musical usando coros, instrumentos de percusión gamelán, sonidos tradicionales e incluso ideas rock; todo al servicio de la experimentación más puntera informática y electrónica, a manos del equipo encabezado por el propio Shoji Yamashiro.

    Se dice que Shoji Yamashiro se basó en una especie de comuna hippie en la que estuvo después de la Segunda Guerra Mundial.

   

     Geinoh Yamashirogumi tiene como objetivo crear sonidos que actúen directamente en la percepción sensorial de la gente; para ello, entre otras cosas, hacen uso de la música tradicional que más se acerque a ese concepto. Soshi Yamashiro es estudioso del medioambiente e intenta que la música y la naturaleza sean un todo; hay que recordar lo arraigado en la cultura japonesa del acercamiento a deidades de la naturaleza; solo hay que ver cualquiera de las películas de Hayao Miyazaki y su constante acercamiento de seres humanos y deidades que pueblan la Tierra, el Mar o el Aire. 

   Actualmente Geinoh Yamashirogumi parece que ha dejado de editar discos y la exposición pública se centra en representaciones musicales y escénicas como las que hacen en el Kecak Festival, donde anualmente es casi inevitable escuchar la interpretación gamelán del Kaneda de Akira, o representaciones folklóricas.

Representación Folklórica.

Gamelan Music por Geinoh Yamashirogumi 

"Kaneda" del OST de Akira. Interpretado por Geinoh Yamashirogumi.

    Ese amor por la naturaleza que tanto caracteriza la cultura japonesa la usa Shoji Yamashiro en sus experimentos musicales. Pero no solo usa la música tradicional japonesa, Yamashiro estudia cualquier cultura del Planeta y coge lo que más de adapta a lo que necesita. Y es por eso que su primer disco está basado en la música tradicional del este de Europa y en particular de las famosas "Voces Búlgaras".

Chi No Hibiki Higashi Yu - Roppu Wo Utau (1976)

(Ecos de la Tierra - Cantos de Europa del Este)

   Consolidar el encanto de las canciones populares búlgaras es el punto de partida de este álbum. Conozco poca música folk que se pueda adaptar más al concepto de la búsqueda de la catarsis en la unión naturaleza-humanidad, que la que puede ofrecer las "Voces Búlgaras". Es un disco mágico y precioso. Hay que conocer un poco la pausada cultura nipona para poder asimilar este disco, tan alejado de la música consumista actual. Escucharlo tranquilo y relajado, con los ojos cerrados, te sumerge en un mundo cuyos protagonistas surgen de cualquier resquicio de las rocas. El corte 7 "Watashi no Ama Hatake" (Mi Campo de Lino) es de una belleza que acongoja.

Bulgarian Folk Song by Geinoh Yamashirogumi

   Muy recomendable disco (Como todos los de Geinoh Yamashirogumi).

continuará...

Miles Davis - (2011) Bitches Brew Live (Columbia Records)

   Con la cantidad ingente de material que hay de Miles Davis es inevitable que, después de 20 años de su muerte, se sigan editando cds oficiales y piratas de grabaciones en directo y recopilaciones.

 

   En esta ocasión Columbia ha editado un disco que realmente merece la pena tener; el cd contiene dos grabaciones en directo de la época eléctrica de Miles Davis. Por un lado tenemos la grabación completa de la actuación del septeto liderado por Miles Davis en el legendario concierto de la Isla de Wight en 1970. Por otro lado tenemos una grabación en vivo inédita hasta ahora en el Newport Jazz Festival de 1969.

   Empecemos por la segunda:

 

Newport Jazz Festival (1969):

   

   En esa ocasión, el cuarteto era formado por Chick Corea al piano, Dave Holland en el bajo, Jack DeJohnette en la batería y Miles Davis liderando con su trompeta. Aquel año se dieron cita en el Festival grupos importantes en la escena rock y rhythm and blues como Led Zeppelin, James Brown, Jethro Tull, Frank Zappa o The Who; nombres importantes entre los que estaba Miles Davis y su grupo en plena fase de gestación del que durante mucho tiempo (y quizás todavía) ha sido el disco de jazz más vendido de la historia: "Bitches Brew" editado en 1970 y que contiene grabaciones de aquel año 1969.

 

   Los cuatro cortes de Newport Festival duran unos 25 minutos y sorprende su sonido magnífico; se ve que Columbia los tenía reservados para darle salida discográfica junto a "algo más"; y sin duda ese "algo más" no podría ser otra cosa que la grabación completa de la actuación en la Isla de Wight, no podría ser de otra forma y supongo que han esperado tanto por darle un poco de espacio a ese megaproyecto que fué la edición en 2009 de la colección completa de grabaciones de Miles Davis para el sello y que comprende 70 Cds más DVD (Una colección limitada reservada para frikis con mucho dinero); precisamente esta colección contiene el concierto de Miles Davis en la Isla de Wight.

 

  Isla de Wight Festival (1970):

 

   Que decir de este macro concierto celebrado en la isla de Wight... Era su tercera edición; en las dos anteriores había tenido gran aceptación y congregó a 200 mil personas, contando con nombres ilustres como Jefferson Airplane en 1968 y The Who y Bob Dylan en 1969. La juventud suele ser impulsiva y mucho más en aquella época hippie; así que, viendo lo que supuso el concierto de Woodstock celebrado del 15 al 17 de agosto de 1969 con 400mil personas presentes, no quisieron ser menos y entre los días 26 al 31 de agosto se juntaron más de 600mil personas en una isla al sur del Reino Unido. Woodstock tiene la gloria y la fama de ser el primero, el genuino y el más conocido; pero por números tanto de asistentes como de artistas, el concierto de la Isla de Wight merece ser recordado como el más grande y bestial concierto de la hsitoria. Algunos de los nombres que pasaron por allí, aparte de Miles Davis, fueron: Supertramp, Chicago, John Sebastian, Joni Mitchell, Emerson, Lake & Palmer, The Doors, The Who, The Moody Blues, Jethro Tull, Jimi Hendrix, Leonard Cohen, Joan Baez cantando "let it be" y muchos más.

 

   Miles Davis no parecía encajar demasiado entre estas figuras del rock sin embargo, al frente del septeto que conformaban, tocaron un recital memorable de 38 minutos donde la improvisación se conjuntó con el estado de gracia de todos ellos para dejar boquiabiertos a todos los presentes. El septeto estaba formado por Miles Davis a la trompeta, Gary Bartz en los saxos, Dave Holland en el bajo, Chick Corea en el piano eléctrico, Keith Jarrett en el órgano, Jack DeJohnette en la batería y Airto Moreira en la percusión.

   El domingo 14 de agosto pasaron por la segunda un magnífico documental sobre la época eléctrica de Miles Davis en general y de la actuación en la Isla de Wight en particular, incluido el recital completo; en él se entrevista muchos años después a los integrantes del septeto (ya muerto Miles Davis) donde se ven a todos ya muy mayores; sin embargo todos recuerdan la magia de aquel concierto. Seguramente la mayoría de ellos estaban bajo los efectos de las drogas, solo hay que ver el meneo de cabeza de Keith Jarrett o la mirada medio perdida de Dave Holland; pero, como diría David Bowie, que sería de la música de los 70 y 80 sin las drogas?. El propio Keith jarrett reconoce que le pusieron el órgano en el último momento y que se sentía desplazado y casi sin aportar nada (nada más lejos de la realidad). Chick Corea con esa mirada penetrante, esa mirada de controlarlo todo. Dave Holland parece concentrado y realmente, escuchando con detenimiento, poco se equivoca en su riff repetitivo. Jack DeJohnette espléndido como siempre. También increible e integradísimo con sus artilugios estaba Airto Moreira. Gary Bartz estando al quite de Miles Davis cuando este le daba paso y se alejaba para limpiar la trompeta. Y por supuesto el propio Miles Davis, con su parsimonia, su tranquilo andar, su mundo quieto e inerte en el que flota cuando sopla su instrumento.

   Quizás no sean estos conciertos los mejores para descubrir la música de Miles Davis; una época eléctrica y psicodélica donde el free jazz ya planeaba. Desde que Miles Davis empezó a tocar con el grupo de Billy Eckstine en 1944, que contaba entre sus integrantes con Charlie Parker y Dizzy Gillespie, su trayectoria musical se ha visto abocada a tantas mutaciones como las que ha tenido el jazz en la segunda mitad del siglo XX; Miles Davis ha estado cabalgando en la espuma de la ola del jazz conforme ha ido evolucionando hasta su muerte en 1991. Que pena que se frustara ese principio de colaboración que tuvo con el gente como Prince o sus jugueteos con el rap. Miles Davis es nombre clave (entre digamos..los 5 nombres clave) de la historia de la música reciente; y es necesaria su revisión constantemente.

   Es uno más de tantos discos editados tras la muerte de Miles Davis, pero este disco si que merece la pena ser adquirido y escuchado porque es parte de la historia del jazz.

Tracklist:

 1 Miles Runs The Voodoo Down                  10:26

2 Sanctuary  (Written-By – Wayne Shorter)   3:58

3 It's About That Time / The Theme               9:40

4 Directions  (Written-By – Joe Zawinul)       7:30

5 Bitches Brew                                               10:09

6 It's About That Time                                     6:17

7 Sanctuary  (Written-By – Wayne Shorter)    1:10

8 Spanish Key                                                   8:15

9 The Theme                                                     2:10

 Créditos:

Alto Saxophone, Soprano Saxophone – Gary Bartz (tracks: 4 to 9)
Bass – Dave Holland
Drums – Jack DeJohnette
Electric Piano – Chick Corea
Organ – Keith Jarrett (tracks: 4 to 9)
Percussion – Airto Moreira (tracks: 4 to 9)
Trumpet – Miles Davis
Written-By – Miles Davis (tracks: 1, 3, 5, 6, 8, 9)
Coordinator [Mastering] – Donna Kloepfer
Engineer [Recording] – Reice Hamel (tracks: 1 to 3)
Engineer [Remixed] – Mark Wilder (tracks: 1 to 3), Tom Cadley* (tracks: 4 to 9)
Executive Producer – Cheryl Davis, Erin Davis, Vince Wilburn, Jr.
Liner Notes [December 1970] – Michael Azerrad
Mastered By – Maria Triana, Mark Wilder
Photography – David Redfern, Fred Lombardi, Sandy Speiser
Producer – Teo Macero
Producer [Release] – Michael Cuscuna, Richard Seidel
Production Manager – Nell Mulderry
Supervised By [Producer Consulting] – Steve Berkowitz
Art Direction, Design – Mathieu Bitton

Notas:

#1-3: recorded live at The Newport Jazz Festival, Newport, RI, July 5, 1969
#4-9: recorded live at the Isle of Wight on August 29, 1970
Mastered at Battery Studios, New York City

© 2011 Sony Music Entertainment
Originally recorded 1969 & released 2011 (Tracks 1-3), Originally recorded 1970 & released 2009 (Tracks 4-9).
 ℗ Compilation 2011 Sony Music Entertainment
Made in the E.U.

#1-3 : previously unissued

Los Canarios - (1974) Ciclos

  Comienzo aquí una serie de reseñas de discos que por lo extraño, lo repentino o lo influyente que la propuesta ha ejercido sobre mi percepción de la música, merecen el calificativo de:

DISCOS SINGULARES

  Y empiezo por el último que he escuchado:

Los Canarios - (1974) Ciclos

   Como a veces suele pasar, descubrí este disco por casualidad. Supongo que será muy conocido en la amplia comunidad de seguidores de rock progresivo que hay por la red pero, sinceramente, desconocía totalmente la existencia del grupo "Los Canarios" en general, y de "Ciclos" en particular.

   Y es que, casualidades de la vida, todo empezó con ese término tan de moda en esta época de crisis como es el de "indignación". Indignado estaba yo cuando, después de descubrirse todo el mamoneo que se trae la SGAE (Somos Gente Ansiosa de Euros); sociedad que presuntamente extorsiona no ya a los piratones informáticos, que somos muchos, sino a fiestas vecinales, colegios y a todo donde se pueda mangonear. A ellos les importa un pimiento la cultura, solo les interesa trincar sin hacer nada (muchos de ellos). Indignación sin límites me produjo cuando, detenido el presunto cabecilla de la subtrama Teddy Bautista, ( y es que hasta entre ellos mismos se roban), muchos de los integrantes de la Sociedad de Mangantes clamaron por la "PRESUNCION DE INOCENCIA"!!!. Y donde coño está la presunción de inocencia de los miles de estafados por el impuesto revolucionario que supone el CANON y que no tienen ánimo de lucro ni piratean ni se bajan nada ilegal??.

 

   El mafioso canon

    Entonces, después de esa gran indignación, me hice la siguiente reflexión; ya conozco la trayectoria de cadáveres culturales que pertenecen a la SGAE que solo saben poner la mano y viven del cuento como Ramoncín, Aute, Perales, etc. etc. pero... quien es (o que fué) el tal Teddy Bautista??. Tirando de Wikipedia descubro que perteneció al grupo "Los Canarios" allá por los años 70; aparte participó en el mítico musical Jesucristo Superstar y en otros musicales. A partir de ahí le vió el filón a eso de trincar y se metió en la SGAE.

 

  "Los Canarios"

 

   Grupo canario (de ahí su increiblemente imaginativo nombre). Formado en 1964, inicialmente se llamaron "Los Ídolos" (otro gran nombre para un grupo novel). Bajo un manto de rock y soul, sacaron algún hit y éxito de verano como "Get On Your Knees". Entrando en la década de los 70, Teddy Bautista dió un giro hacia el rock progresivo y sinfónico que tan de moda estaba en aquella época con grupos como E.L.O. King Crimson, Yes, E.L.P. Génesis ó Pink Floyd. Se editaron discos conceptuales como "The Lamb Lies Down on Broadway" o "Dark Side of The Moon".

  Teddy Bautista quiso subirse al carro de lo que estaba de moda y rehizo el grupo con nuevos componentes para crear, en 1973, su obra más ambiciosa, creativa y famosa: "Ciclos".

Los Canarios

  "Ciclos"

 

   Para resumirlo brevemente, "Ciclos" es un disco progresivo/sinfónico, conceptual, basado en "Las Cuatro Estaciones" de Antonio Vivaldi.

 

   NO es una versión rockera de la composición clásica; es un gran fresco musical que trata la evolución temporal y equipara los "Primavera, Verano, Otoño e Invierno" de Vivaldi, con "Paraíso remoto, Abismo Proximo, Ciudad Futura y El Eslabón Recobrado" respectivamente. La música está estructurada en esos cuatro grupos (cabe recordar que fué editado en un doble vinilo, por lo tanto cuatro caras). Cada grupo está a su vez dividido en capítulos:

 
"Primera Transmigración (Paraiso Remoto)" (16:55):

    Genesis
    Prana
    Primera Visión de un Mundo Nuevo
    Himno a la Armonía Magistral del Universo
    Primeros Pasos en un Mundo Nuevo
    Metamorfosis Extravagante

"Segunda Transmigración (Abismo Próximo)" (16:45):

    Narración Extravagante
    Primeras Preguntas en un Mundo Nuevo
    Canto al Niño Neurótico
    Himno Crítico a la Primera Adversidad
    Desfile Extravagante
    Proceso Alienatorio
    Serenata Extravagante

"Tercera Transmigración (Ciudad Futura)" (17:49):

    Pequeño Concierto Extravagante
    Páginas de Plata de un Diario Intimo
    Anti-Himno a la Programación Cibernética
    Monasterios
    Proceso Cibernético
    Villancico Extravagante

"Cuarta Transmigración (El Eslabón Recobrado)" (21:53):

    Hibernus
    Crisis
    Ballet de las Sombras
    Himno a la Armonía Implacable del Fin
    Vanessa (el aliento de la osamenta)
    Nirvana Extravagante
    Diálogos a Alto Nivel
    Hiperdestrucción
    Apocalipsis 

   Pero suenan "Las Cuatro Estaciones" de Vivaldi?.. Pues sí que suenan; los acordes más conocidos están repartidos por todo el disco y son fácilmente reconocibles; pero como dije, no es una versión eléctrica de la obra clásica, solo sirve de base para desarrollar la idea de Teddy Bautista de presentar un viaje del alma en transmigración recorriendo una evolución temporal.

   Con gran producción por parte del propio Teddy Bautista y Antonio Morales; orquestaciones y dirección de Alfredo Carrión; "Ciclos" fué una muy arriesgada apuesta de Ariola, que invirtió dos millones y medio de las antiguas pesetas, que era un dineral en aquella época, y que no recuperaron; lo que prácticamente propició la disolución del grupo. En el momento de su estreno, la crítica española (y hablamos de 1974, España cañí de Las Grecas, Rumba Tres y Los Payasos de la Tele, y que casi no conocía ni a los Beatles), defenestró un disco que era muy adelantado a la época en la que vivíamos. "Monumento cumbre a la nada" se decía; pues pienso yo que si es es así, es un monumento a la nada hecho con Marmol de Carrara, porque me parece una obra imprescindible en la historia del rock, por lo extravagante, lo monumental, lo creativo y aplastante de la propuesta.

   Hoy en día "Ciclos" se abre sitio con fuerza en la historia del progresivo mundial y está a la altura de muchos discos conceptuales de la época. De equella época yo creo que solo "El Patio" de Triana podría considerarse superior (con toda seguridad, eso sí, más influyente), que "Ciclos".

 

   "Ciclos" es una obra donde converge estilos tan dispares como el pop, el jazz, el folk, el barroco, rock sinfónico...

 

   En el primer acto entra en escena la voz de la soprano Rudmini Sukmawati (hija del presidente de Yakarta y muy de moda en aquella época). Sukmawati es acompañada de instrumentos como un Theremín en un primer acto psicodélico. Sukmawati encarna el papel de Atrix "La paridora"; génesis donde los llantos de un niño envuelven la música.

  En el segundo acto escuchamos instrumentos como el Mellotron, que acompaña magestuosos coros (Coro de alumnos da Escuela Oficial de Canto); solos de piano (Mathias Sanvellian) y guitarra (Antonio García De Diego) y la aportación del "Trio Porteño".

 

   En el tercer acto escuchamos, aparte de todo lo demás, efectos electrónicos, percusiones, campanas y termina con un "villancico Extravagante" interpretado por los "Hermanos Blanco".

 

    En el cuarto acto presenta en su inicio un toque más atmosférico y contemplativo con pianos y arpas, derivando conforme avanza en un paroxismo alocado gracias a la percusión y guitarras. El final es explovivamente rockero.

   "Ciclos" es una de las obras cumbre del panorama musical español del siglo XX; obra irrepetible y necesaria de revisión por parte de cualquier amante de la música que se salga de lo convencional.

 
  Pasado este momento de relax y buen paladeo, vuelvo a la indignación del principio; mucho más porque pienso que fué una perdida irreparable que un tipo con la creatividad de Teddy Bautista eligiera la vida fácil condenada a la destrucción cultural de la SGAE a la creación musical.

 

Créditos:

   Arreglos, Conductor – Alfredo Carrión

    Bajo, Sintetizadores, Theremin – Christian Mellies

    Batería, percusión, Timbales, Triángulo, Voces, Castañuelas, Maracas, Campanas,                             Flexotone,Glockenspiel, Roto-toms Gongs, Bambus, Dharbuka – Alain Richard

    Piano eléctrico, Hammond, Piano, Violin – Mathias Sanveillan

    Guitarra, Guitarra acústica, lira, Guitarra Echoplex, Teclados Phase Shifter, voces – Antonio García De Diego

    Sintetizadores, Teclados, Mellotron, Teclados Digital Frequency Meter, Teclados Ribbon Controller – Teddy Bautista

Invitados:

    Rudmini Sukmawati – Voz Soprano

    Leandro Blanco – Voz

    Antonio Morales: Co-productor

    Eddie Guerin y Ma Carmen Alvia: Arreglos y Arpa

    Hermanos Blanco: interpretes, arreglos y autores del texto “Villancico Extravagante”

    Claude Guillot: Vibrafono

    Trio Porteño – arreglos y canto

    Coro de alumnos da Escuela Oficial de Canto.